冨井は、レディメイド（=既成品）を作品の素材として「彫刻」の概念を成立させる試みをしてきました。素材そのものが備えている機能、条件、存在定義を制作という行為によって新しいものへと変化させ、全く異なる存在として我々の眼前に提示します。それは、素材から全ての意味をはぎ取ると同時に、素材の物理的な要素のみで作品を完成させることによって、物語性にもイメージ性にも形にも頼ることのない、真の意味で自立した作品を作ろうとする行為でもあるのです。長い歴史の中で「彫刻」と言われてきた従来のイメージから離れた方法で、素材にこだわることなく彫刻のあらたな可能性を探求する姿勢は、twitterにて毎日更新される「今日の彫刻」シリーズや、複数の素材を結合させた彫刻のシリーズ、印刷物を用いた代表的な作品にも表れています。

冨井は、2015年度に、アメリカ/ニューヨークに文化庁在外派遣研修員として滞在しました。1年に渡った滞在は、「彫刻とは何か」という冨井が持ち続けた問いかけの根幹を、より揺さぶることになりました。
本展では、帰国後初の個展として、ニューヨークで制作した新作を展示します。より確信的になった素材へのアプローチによって、その表現はさらに構造的なものへと発展しています。
進化を続ける冨井の新作を、是非ともご高覧ください。

尚、展覧会に合わせ、星野太 氏（美学・表象文化論／金沢美術工芸大学）を招いて、作家とのトークイベントを予定しております。合わせてご案内いたします。

■作家ステートメント

この2年、放っておくと溜まってしまう物を作品にしている。紙袋、ビニール袋、封筒、なんとなく気になって手に入れた便箋、購入した商品のパッケージなど。「こういうこともありかしら」という直感から始めたことであった。私は、それまで素材を選ぶことにかけてはかなりの慎重派で、その後の素材との付き合いも厳密な方であった。言ってみれば「お堅い作家」であった。「堅さ」は私の性情によるところも大きいので簡単に変えられるものではないが、このまま「お堅いやり方」にしがみつく必要性も現在はない。そんな時、せこいことは考えず直感に従いやってみるのもよかろうということで紙袋などを使い始めたのである。以下は、そんな「制作」から考えたこと。

物を本来の用途から切り離し、作品の素材として扱うことは特別なことではない。美術史におけるアッサンブラージュやコラージュ、絵画教室やテレビ番組における工作。物は、表現に関する多くの時と場面において「使われて当然」の体で素材という既得権を主張している。私は、表現の場において物が発する「素材の有効範囲」からなるべく離れたところで物を作品にしたいと思った。このことが、物と関わる表現において相当の矛盾をはらんでいることは承知の上だ。

物にへばりついている役割やイメージ（果たすべき目的や期待される使命）とそれらを表明する外観——これを仮に「Aな諸々」と呼ぼう——を変形、除去することなく別の形——「Bな諸々」——に仕立て上げることで、別の局面——「Cな諸々」——に移行すること。AとBが並行して滲んでいるCな諸々。わからない存在でありながら、存在していることが何となく許される何かへ。

そんな何かへ物を仕向けることを目論みつつ物に対処し続ける。これを制作と呼んでもいいのだが、ここではひとまず「像を結ぶ」と呼んでおきたい。

以上。美術の現場においては既に使い古された口上かもしれないが、まだここに面白さがある。ならばやるべきだと、私の直感が告げている。

2016年11月
冨井大裕

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Motohiro Tomii has tried to establish a concept of sculpture, using ready-made articles as materials.
He changes the function, condition, and definition of the material itself into something new by his work and presents it as a completely different object right before our eyes.　He strips all the meaning from the material, and simultaneously produces an independent work in its true meaning by completing it with only the physical function of the material, without relying on narrative, image, or forms. He has been seeking a new possibility for sculpture, not sticking to material, moving away from the conventional image of “sculpture” in its long history. His attitude is revealed in his representative works　such as the daily “Kyo-no-Chokoku [Today’s Sculpture]” series on Twitter, sculpture series where plural materials are combined, and works using printed materials.

Tomii stayed in New York in 2015, granted a fellowship of the Japanese Government Overseas study program for artist by the Agency of Japan Cultural Affairs, Japan. This experience over one year strongly shook the very nature of his question “what is a sculpture?”.
This exhibition will present Tomii’s new works he made in New York as his first solo exhibition after coming back to Japan. His expression has developed toward more structural, approaching materials with further confidence. Thus his practice will keep advancing.

In conjunction with the exhibition, a talk event is scheduled with the artist and Futoshi Hoshino from Kanazawa College of Art (Aesthetics/Study of Culture and Representation).

■ Artist Statement

These couple of years I have been making works, using things, which would pile up if being left, such as paper bags, vinyl bags, envelopes, letter papers I obtained as they somehow interested me, and packages of the goods I bought. I started this, following my intuition, “this may be right”. I had been quite careful in choosing materials until then and been strict about dealing with them once I picked up them. I was a “serious artist”, so to speak. Such seriousness was a lot to do with my nature, which could not be easily changed, but nowadays I do not need to hold on to the “serious manner” just like that. At that time, I started using paper bags as it seemed to me good that I act on my intuition without being small-minded.
The following is what I thought about my “working” as above:

It is not special to separate an object from its original use and take it as a material for an artwork. Looking at assemblage and collage in art history, moreover, handicraft in a drawing class or a TV program, the objects used in them claim their “vested right” for being materials. They wear an air that it is natural to be used in many times and scenes related to representation. In a place of representation, I wanted to create a work from an object, being as far as possible from “effective area of materials” inspired by the object. I knew, however, it is fairly contradict to the representation related to objects.

Roles and images (meaning purpose to achieve and mission to expect) clinging to objects, and appearances demonstrating them - I call them “Various A” for the time being. “Various A” is transformed without removing and makes another shape “Various B”, then this moves to another phase “Various C”. So, there is “C” in which “A” and “B” get blurred in parallel. Although my work "C" exists as incomprehensible, it should become something, being somehow allowed to be there.

I keep working on objects, planning to induce them to something as the above. This could be called “making works”, but here I want to call it “connecting images” for the time being.

That’s all. It may sound a well-worn message in the art scene, but I would still find it interesting. Then, I should do it as my intuition tells.

Motohiro Tomii
November 2016

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